Сведение музыки за 12 шагов
Сведение – это скрупулезный процесс преобразования определенного количества аудио дорожек в полноценное музыкальное произведение. Это весьма кропотливая работа, требующая внимания, усидчивости и терпения. Качественный микс подчеркнет все достоинства в музыке, обозначив самые важные элементы композиции. Важно, что удачный микс будет очень хорошо звучать на любом оборудовании, начиная с моно радиоприемника и заканчивая аудиофильским комплектом аппаратуры.
Теоретически процесс сведения музыки совсем несложный – следует настраивать регуляторы до тех пор, пока не добьетесь нужного звучания. Тем не менее, случайно это сделать почти невозможно, ведь сведение сродни игре на музыкальном инструменте. Давайте же попробуем разобраться в тонкостях сведения и попытаемся придать ему некую структуру.
Точка отсчета
С чего начать сведение трека? Прослушайте идеально, на ваш взгляд, звучащие музыкальные композиции. Желательно, чтобы они были в одном или похожем музыкальном стиле. Концентрируйтесь не на музыке, а именно на сведении. Почувствуйте, что даже в очень плотном миксе вам удается различить партию каждого инструмента, потому что она находится в своем пространстве. Не пренебрегайте равномерностью частотного баланса: высокие частоты должны быть яркими, но не пронзительными, а бас должен звучать убедительно, при этом не загрязняя и не маскируя остальные звуки. Обязательно запомните относительный уровень основных инструментов — ударных и вокала.
Уровень мониторинга
Сведение музыки на высокой громкости чревато высокой утомляемостью для ушей. А сведение на низкой громкости, напротив, не напрягает слух и сводит усталость к минимуму. При сведении идеальной можно считать периодическую смену уровня громкости, в этом случае можно лучше представить, как микс ведет себя при разном уровне громкости.
Заниматься сведением в наушниках – идея неплохая, они изолируют от внешних шумов и хорошо подчеркивают детали. Однако наушники имеют способность все преувеличивать и в них трудно адекватно настроить стерео-картину. Поэтому наушниками лучше пользоваться при проверке чистоты звука, а сводить, все-таки, на мониторах.
Аранжировка
Прежде чем начать сведение, тщательно изучите аранжировку. Выявите проблемные места, уясните, что в данной композиции главное, а что второстепенное, подчеркните необходимое и т.п. Можете даже составить некий “to do list”.
Сведение музыки: инструкция в «12 шагов»
Для сведения музыки не выработано четких правил, поэтому, пока вы не обзавелись своим собственным стилем сведения, используйте уже имеющиеся определенные ориентиры. При сведении вам будет нужно сделать множество настроек. Имеется двенадцать основных параметров, которые надо реализовать во время создания микса. Конечно же, это разделение весьма условное и данные «12 шагов» постоянно пересекаются. Например, при изменении какой-либо настройки эквалайзера, вы одновременно оказываете воздействие на громкость.
Итак, что же это за двенадцать шагов?
1. Ментальная подготовка
Процесс сведения зачастую длится очень долго, поэтому рабочее место должно быть удобным и комфортным. В первую очередь необходим хороший компьютерный стул с поддержкой спины. Также потребуется бумага для записей. Свет стоит приглушить, чтобы внимание полностью было сосредоточено на звуке.
Давайте ушам отдохнуть, для этого следует делать перерывы каждые 45 – 60 минут. Возможно, это большая роскошь, если вам платят за студийное время, но тем не менее, эти несколько минут отдыха помогут восстановить объективность вашего восприятия. В итоге, весь процесс сведения, как бы парадоксально это не звучало, займет меньше времени.
2. Организация треков
Следует подписать все треки и каналы, не имеет значения, где вы их сводите — в софте или на микшерном пульте. Придайте им логический порядок и организацию. Это поможет сэкономить время и сделать сведение более легким. При большом количестве треков — правильность и удобство группировки является очень важным этапом.
3. Наденьте наушники и избавьтесь от щелчков
Сведение – процесс творческий, в нем задействовано правое полушарие мозга, а удаление щелчков – работа левого полушария. Комбинация этих действий будет тормозить творческую активность, поэтому лучше в первую очередь сделать всю рутинную работу и больше к ней не возвращаться. Между прочим, именно на этом этапе работы следует воспользоваться наушниками.
Кроме этого, неплохо снизить уровень шума на тех дорожках, на которых это реально сделать. На отдельных треках звуковые артефакты могут показаться совсем несущественными, но в целом они могут оказаться очень заметными, что в итоге повлияет на качество трека.
4. Оптимизация всех источников звука
Если в вашем треке применяются синтезаторы, то настройте их звучание на как можно более ранней стадии. Например, не подключайте внешние эквалайзеры, если можно просто подкрутить filter cutoff.
5. Баланс громкостей
До тех пор, пока не настроите общий приблизительный баланс громкостей — не добавляйте никаких эффектов и обработки. Не позволяйте своему левому полушарию препятствовать творческому процессу! Сначала включите моно режим для всех треков. Если в моно режиме звучание инструментов хорошо сбалансировано, то в стерео оно только выиграет. А если вы сразу начнете работать в стерео, то рискуете упустить частотные и громкостные конфликты среди инструментов.
6. Настройка эквалайзеров
Эквалайзеры помогают обозначить различия между инструментами, а также улучшают звуковой баланс. Поэтому сначала займитесь вокалом, ударными, басом — самыми важными элементами микса. А когда они хорошо зазвучат вместе, можно переходить к менее значимым элементам.
Из-за ограниченности частотного диапазона каждый инструмент должен располагать своей частотной нишей, чтобы, сочетаясь с прочими инструментами, он стал частью целостного звукового спектра.
Сведение лучше начинать с барабанов. Объясняется это тем, что ударные инструменты составляют значительную часть частотного диапазона, начиная с бочки, заканчивая тарелками и перкуссией. Настроив правильно все ударные инструменты, с остальными разобраться будет гораздо легче и проще.
Изменение настроек эквалайзера на одном треке влияет на звучание другого трека. К примеру, сильно подняв середину у фортепиано, можно получить его конфликт с вокалом. Бывает так, что поднятие какой-либо частотной области одного инструмента потребует понижения громкости или вырезания такой же области у другого инструмента. Для примера – чтобы подчеркнуть вокал, можно слегка прибрать «вокальные» частоты у других инструментов, вместо того, чтобы обрабатывать вокал эквалайзером.
Представляйте композицию как спектр, планируя при этом, какой звук и куда вы хотите поместить. Иногда можно воспользоваться анализатором спектра. Однако не забывайте при этом, что уши, а не глаза ваш главный инструмент при сведении.
Если очень хочется подчеркнуть какой-то звук, то слегка приподнимите его в районе от 1 до 3 КГц. Если есть желание отодвинуть звук подальше, то следует понизить высокие частоты на соответствующей дорожке. Также целесообразно вырезать или понижать низкие частоты инструментов, в которых они не требуются, тем самым освобождая место для баса и бочки.
7. Основная обработка
Под этим определением подразумевается обработка, радикально меняющая звук либо привносящая в него что-то новое. Для примера — добавление эхо или какой-либо дисторшн и т.п.
8. Стерео картина
Самое время расставить инструменты в стерео поле. Можно использовать традиционный подход, который основан на реальном расположении инструментов во время концерта, а так же что-то кардинально иное. Сигналы следует панорамировать аккуратно, избегая крайних положений регулятора панорамы.
Бочка и бас пусть остаются в центре: низкие частоты содержат максимум энергии, поэтому ее необходимо распределять равномерно. При панорамировании остальных инструментов внимательно отслеживайте баланс. Если что-то одно оказалось с одной стороны, то значит, что-то другое должно оказаться с другой.
9. Финальная коррекция аранжировки
Попробуйте свести количество соревнующихся инструментов к минимуму, это поможет держать внимание слушателя в фокусе. Вам, безусловно, может очень нравиться какой-нибудь звуковой эффект, но если в нем нет необходимости в конкретной композиции, избавьтесь от него. И наоборот, если вы считаете, что чего-то не хватает, попробуйте ликвидировать пробелы. Дождитесь завершения работы, прежде чем ей восхищаться. Помните, что здесь очень важна максимальная объективность!
10. Добавление глубины
После того, как вы разместили все инструменты по своим местам в стерео картине, настало время третьего измерения – добавление глубины. Начните с аккуратного добавления к звукам задержки и реверберации. Не допускайте многопространственности, особенно при сведении живой музыки. Помимо этого, не стремитесь улучшить качество звука, используя реверберацию. Эффективнее вернуться назад и поработать с настройками эквалайзера или синтезатора.
11. Тонкая настройка
Теперь, когда самая главная задача выполнена, следует обязательно перепроверить настройки всех каналов: громкость, настройка эквалайзеров, эффекты, и, если необходимо, внесите требуемые корректировки. Но не усердствуйте, музыке не всегда на пользу некая стерильность звучания. И еще, не нужно вносить изменения, которые кроме вас никто не заметит.
12. Проверьте свой микс на различных аудиосистемах
Прежде, чем поставить окончательную точку в своей работе, послушайте, как она будет звучать на различных аудиосистемах — от аппаратуры в студии до автомобильной системы. Если звучание микса везде убедительно – с задачей справились на отлично!
Сведение музыки
Сведение музыки – один из основных этапов продакшена. Без него песня не звучит как готовое произведение и остается демо-записью. Начинающие музыканты в определенный момент сталкиваются с разочарованием. Ты придумал грувовый бит, запоминающуюся мелодию, красивую гармонию. Подобрал качественные семплы, нашел интересные пресеты синтезаторов. Вроде бы все должно звучать круто и гармонично. Но ты включаешь свое творение друзьям и видишь, что они не впечатлены. Да и сам ты понимаешь, что чего-то не хватает. А не хватает всего лишь сведения.
С живыми инструментами дело обстоит еще печальнее. Вы играете на репетиционной точке, получаете кайф, чувствуете драйв. Уже представляете, как толпы фанатов ломятся к вам на концерт, как треки набирают миллионы прослушиваний. Но записываете свой материал и осознаете, что все не так круто, как казалось на репетиции. И вроде гитары настроены, и играете вы ровно, и к аранжировке не придраться, но без сведения музыка не звучит.
Даже песне с одной акустической гитарой нужна обработка, а композиции с плотной инструментовкой тем более. Нужно свести все дорожки вместе, чтобы они играли согласованно, не выбивались из общей канвы и формировали один крутой микс. К тому же при записи всегда появляются огрехи, неудачные места, призвуки. Сначала аудиофайлы нужно отредактировать и почистить, а затем обработать.
Что такое сведение музыки?
По большому счету это баланс громкостей, баланс частот и окрашивание. Всего три компонента. Но они настолько трудоемкие, что занимают большое количество времени и сил. Не считая постоянного развития навыков, тренировок и обучения. Эта работа требует хорошо развитого слуха, заточенного под специфические задачи. А сведение музыки решает много таких задач.
1. Устранение огрехов записи. Чтобы музыка звучала ритмично, все партии ровняют под общую сетку. Чтобы неприятные резонансы не давили на уши, их отыскивают и вырезают. У мелодии вокала обязательно корректируют интонирование – певцов, которые идеально попадают в ноты, единицы. Бедно звучащие инструменты делают более красивыми и жирными;
2. Разрешение конфликтов между инструментами. Многие считают, что это и есть сведение музыки. Однако это только его малая часть. Чтобы звуки сидели в миксе дружно, их выравнивают по громкости, эквализируют, выделяют каждому место в стереокартине, компрессируют, склеивают групповыми эффектами и т.д.;
3. Построение сцены. Частично это относится и к разрешению конфликтов. Но таким образом звукорежиссер также делает звуковой образ более красивым, интересным, насыщенным и приятным для слуха. Что-то он вынесет на передний план, что-то отдалит, что-то поставит слева, что-то еще чуть левее и т.д. При сведении музыки живых стилей часто применяется сценическая расстановка. Мы как будто наблюдаем за выступлением группы: слева стоит гитарист, рядом несколько бэк-вокалисток, справа трубачи, ближе к центру клавишник. А для плотной электронной аранжировки можно просто сделать стену звука, в которой все сливается;
4. Придание треку окраса. При сведении музыки инди-артистов, возможно, это не первостепенное дело. Но вся коммерческая поп-музыка имеет свой окрас: жирный или интеллигентный, яркий или мягкий, сухой или насыщенный. То же самое со стилями. Кик в хип-хопе – это не то же самое, что кик в хард-роке, хотя исходники могут быть почти одинаковыми. Новый рэп и олдскульный рэп сильно различаются по звучанию;
5. Обеспечение транслируемости. Сведение музыки на высококлассных мониторах, как правило, заставляет песню звучать одинаково хорошо и в наушниках, и на бытовых колонках. Она должна качать в машине, быть разборчивой в торговом центре, дружить с диапазонами смартфона и ноутбука. Это называют словом «транслируемость».
Что понадобится для сведения музыки?
Музыканты годами оттачивают свое мастерство, ищут новые ходы и приемы, анализируют хиты, экспериментируют. Но даже без серьезной подготовки и багажа знаний новичок может сесть за компьютер, открыть онлайн-секвенсор (например, Amped Studio) и за полчаса набросать бит. Со сведением музыки дело обстоит сложнее. Здесь понадобятся специальные ресурсы.
1. Натренированный слух
Чем больше времени человек проводит за выставлением балансов, эквализацией, анализом референсов, тем лучше у него получается сводить. Музыкантам не рекомендуют сводить свои песни самостоятельно, потому что другие уши (к тому же натренированные) намного лучше услышат недочеты, к которым автор привык за время работы над своим творением. У стороннего звукорежиссера есть опыт, навык, знания и свежесть восприятия.
Однако иногда сведение музыки ограничивается только поиском баланса. Некоторые аранжировщики сразу создают хорошо звучащие дорожки. И если щепетильно относиться к своему материалу, то можно сильно помочь микс-инженеру. То же самое бывает, когда микс после мастеринга остается практически в неизменном виде: просто тот, кто сводил, уже приблизил его к идеалу.
2. Мониторинг
Понятно, что музыку нужно через что-то воспроизводить. Но в данном случае качество звуковой аппаратуры будет влиять на качество сведения. Причем, если стоит выбор между дорогими колонками и недорогими мониторами, лучше выбрать второе.
Чем лучше колонки, тем сильнее они украшают звук. Даже ужасный микс на крутых колонках будет звучать сносно. Чем лучше мониторы, тем они честнее. Плохой микс даже на средненьких мониторах звучит плохо. Вы слышите все недостатки и можете их устранить.
Сведением музыки можно заниматься и в наушниках. Но профессионалы стараются этого избегать. Наушники не дают адекватной стереокартины. Да и в конечном итоге песню будут слушать в пространстве, и оценивать ее тоже нужно в пространстве. Хотя сегодня продаются разные программы, которые корректируют звучание наушников, приближая его к студийному. Они как будто делают из наушников профессиональную студию с мониторами.
Но у сведения музыки в наушниках есть и плюсы. Например, избавление от влияния комнаты. Звук, проходя через динамики, приобретает специфическую окраску. Поэтому на разных колонках, на разных мониторах, в разных наушниках одна и та же песня звучит по-разному. Но это полбеды. Звуковая волна отражается от стен, и в разных комнатах она будет приобретать разные характеристики.
С наушниками заниматься сведением музыки можно в самых плохих, неподготовленных помещениях. А вот для работы на колонках или мониторах комнату нужно подготавливать. Самый доступный способ – глушить все минеральной ватой, плотными шторами, звукопоглощающими панелями и т.д. Но это тема для отдельного разговора. В любом случае старайтесь проверять свой микс на разных колонках и в разных комнатах.
3. Звуковой интерфейс
В любом компьютере, который умеет выводить звук на колонки, есть встроенный аудиоинтерфейс. Но почему для сведения музыки этого недостаточно? Дело в том, что этот прибор оснащен АЦП и ЦАП.
АЦП (аналого-цифровой преобразователь) превращает живой, аналоговый звук (голос, гитарные аккорды, удары барабанов) в цифровой код, то есть записывает его в компьютер. ЦАП (цифро-аналоговый преобразователь), наоборот, заставляет этот код звучать, то есть выводит его на колонки.
Если мы ничего не собираемся записывать, АЦП нам вообще не нужен. А вот ЦАП для сведения музыки нужен и должен быть хорошего качества. Качество встроенных в компьютер звуковых карт оставляет желать лучшего. Поэтому музыканту или начинающему звукорежиссеру рекомендуется обзавестись внешней аудиокартой, и чем она будет дороже, тем лучше.
Но этот прибор работает в связке с динамиками. Если у вас нет профессиональных мониторов, то от аудиоинтерфейса толку не будет. Поэтому на старте можно пользоваться встроенной картой компьютера. Не нужно ждать, пока появится возможность заполучить желанное оборудование. Всегда пользуйтесь тем, что есть под рукой.
4. Программное обеспечение
Сведением музыки можно заниматься в той же программе, где вы делали аранжировку. Большинство секвенсоров универсальны: позволяют записывать живые инструменты, набивать биты, редактировать партии, работать с MIDI, сводить, делать мастеринг и многое другое. Также вам понадобятся плагины обработки: эквалайзеры, компрессоры и т.п. Со многими программами они идут в комплекте.
Сведение музыки в онлайн-секвенсорах позволяет вообще обойтись без всяких программ и плагинов. Понадобится только компьютер, планшет или смартфон с наушниками. К примеру, функционал Amped Studio дает все возможности, чтобы свести песню. Здесь можно выстроить баланс между дорожками, панорамировать их, даже автоматизировать панораму и громкость у каждого инструмента. На платном аккаунте открывается еще больше возможностей для автоматизации.
В Amped Studio встроены компрессоры, эквалайзер, гейт, ревербератор и много других эффектов. Даже не придется устанавливать никаких VST. Хотя этот секвенсор умеет пользоваться и VST, которые стоят на компьютере. Мы упомянули, что для качественного сведения музыки важно слушать микс на разных колонках. Amped Studio открывается с любого устройства, на котором есть браузер. То есть мы можем проверять микс где угодно: например, в гостях у друзей или родителей.
Еще эта онлайн-программа дает доступ нескольким аккаунтам. Все музыканты из группы могут работать в ней, слушать дорожки, вносить изменения, пробовать необычные решения, что-то корректировать. Так сведение музыки становится более объективным. Чем больше ушей, тем лучше. Свежее восприятие только помогает работе.
Как сводить песню?
Позже мы поэтапно разберем этот процесс: от маршрутизации до обработки мастер-канала. Но сначала посмотрим на сведение музыки со стороны, чтобы уловить суть, а не повторять действия механически. Узнаем, что именно делает звукорежиссер, когда сводит композицию, и зачем он это делает.
1. Баланс по громкости
Точно выставленные уровни уже делают песню собранной. Но если громкость отдельных дорожек постоянно меняется, микс не будет стабильным. Поэтому инструменты с явными атаками, пиками и провалами обязательно нужно компрессировать. Компрессия сужает диапазон, нивелирует разницу между тихими и громкими звуками.
MОднако сведение музыки – это не только выравнивание и сглаживание. С помощью фейдеров громкости мы можем выстраивать перспективу, как в живописи. Главные инструменты можно сделать громче и тем самым вывести их вперед. То, что играет тише, встает на второй план. А заполняющие мелочи пусть звучат где-то совсем далеко.
Изменение баланса по ходу проигрывания микса помогает сделать песню более драматичной, динамичной, энергичной. Автоматизация – один из важнейших приемов сведения музыки. Мы можем автоматизировать громкость, нарисовав линию, по которой уровень будет меняться. И тогда балансы сместятся: на первый план выйдет другой инструмент, появятся другие акценты, изменится грув.
2. Баланс по частотам
Каждая песня обладает уникальной амплитудно-частотной характеристикой (АЧХ). Но разные инструменты живут в разных диапазонах. При сведении музыки они выстраиваются в сбалансированную картину. Хотя не обязательно добиваться ровной АЧХ.
- Бас-бочка (Kick) и бас-гитара держат низ примерно от 40 до 800 герц. При этом у них есть и частота присутствия (звон струн или щелчок колотушки) – в районе 1000 Гц.
- Диапазон малого барабана (Snare) начинается примерно от 200 Гц и занимает весь спектр выше. При этом у него может быть плотный низ около 100 Гц и яркий верх в районе 7000 Гц.
- Хай-хэт и другие тарелки заполняют весь диапазон средних и верхних частот от 300 Гц и выше. Но часто их сильно обрезают, оставляя только самый верх.
- Электрогитара – это середина, от 300 до 5000 Гц. Причем пики и провалы на этом участке могут быть распределены самым необычным образом.
- Диапазон пианино раскинулся примерно от 80 до 10000 Гц. Как и у акустической гитары.
- Синтезаторы могут занимать самые разные диапазоны, в зависимости от характера звука.
Но для сведения музыки не очень важны диапазоны инструментов. Главное, что кик и бас отвечают за низ, тарелки отвечают за верх, гармонические инструменты располагаются в середине, а над всем этим висит вокал, который занимает все, от низа до верха. Намного важнее конкретные частоты и тот эффект, который дает их усиление или ослабление.
- 30, 60 или 100 Гц – основная нижняя частота кика и баса. Если у нас низкий кик, а бас сидит на 100 Гц, то вырезаем 100 Гц у кика и добавляем у баса. И наоборот. Так они будут работать согласованно. На 100 Гц также прячется мощь снэйра.
- 250 Гц – полнота или гулкость. Если на вокале сделать здесь большой горб, получится внутриутробное, коробочное звучание. Если сделать большой вырез, у голоса исчезнет фундамент, он станет вялым, тонким.
- 600 Гц – Плотность и мутность. Если ее много (например, у бас-гитары), инструмент будет звучать невнятно и мыльно. Если мало, микс потеряет полноту, станет пустоватым.
- 800 Hz — Bad rooms have a dirty sound at this frequency. You can cut it to clean up an acoustic instrument or vocals.
- 1,5 кГц – читаемость снэйра, шлепок бочки, звон струн бас-гитары и присутствие вокала. Суть примерно одна – на этой частоте инструмент заявляет о себе. Если ее добавить, голос приблизится к слушателю, но приобретет телефонный призвук.
- 3, 4, 5, 7 кГц – краски верха. Их нужно просто пробовать по очереди и слушать, какая больше нравится. Важно следить, чтобы не вылезли резонансы и не появилась едкость. В районе 7-8 кГц также живет звук «с», который может бить по ушам.
- 10 кГц и выше – мягкость и воздушность. Смягчает хэты и снэйры, а вокал делает парящим.
Это лишь примерные ориентиры. Сведение музыки – тонкий процесс, и в каждом конкретном случае эквализация должна быть индивидуальной. У какого-то вокалиста звук «с» может акцентироваться на частоте 9 кГц (а не 7). У какого-то кика шлепок может звучать в районе 3 кГц (а не 1,5). Мутность можно искать по всей нижней середине: от 300 до 1000 Гц (а не только на 600 и 800). Так что необходимо внимательно подходить к каждому инструменту.
3. Баланс по планам
Гармоничную картину при сведении музыки создает и расположение инструментов в пространстве. Не одним лишь фейдером громкости можно приблизить или отдалить инструмент. Пространственные иллюзии создают и компрессоры, и эквалайзеры, и ревербераторы.
К примеру, у некоторых компрессоров регулируются параметры атаки и релиза. Большая (долгая) атака делает удары мощнее, но отдаляет звук. Короткая (быстрая) атака делает инструмент маленьким, но приближает его. Так мозг воспринимает звуковой сигнал. Быстрый релиз вытаскивает всю грязь и создает иллюзию огромного пространства. Долгий релиз делает звук компактным и аккуратным.
Как мы видим, сведение музыки не упирается в одну только эквализацию, но она много на что влияет. Эквалайзер может сделать вокал не только красивее, но и ближе. Мы уже рассмотрели частоту 1,5 кГц, которая заставляет вокалиста выйти из микса на пару шагов. Низкие частоты тоже приближают вокал и любой другой инструмент. Мозг человека привык к тому, что от близкого источника он улавливает больше баса. Это называется «эффектом близости».
Ревербератор, кажется, и создан для того, чтобы при сведении музыки мы получали огромные пространства с летящими во все стороны отражениями. Но у этого прибора есть один параметр, который позволяет оставить впечатление огромности и одновременно вывести голос вперед, не дать ему утонуть в реверберации. Эта настройка называется «Predelay». Она делает паузу между чистым звуком и обработанным, тем самым отрывает эффект от инструмента.
Панорама – еще один мощный способ сделать сведение музыки более качественным. Она дает возможность двигать звук не только вперед-назад, но и влево-вправо. Гитара, играющая сбоку, теряет значимость, потому что она не в центре. Но в то же время она притягивает внимание, потому что локализуется в пространстве. Поставим клавиши в противовес на другой край, и вот у нас уже получилось широкое стерео с двумя точками, которые хорошо прослушиваются, но при этом намекают, что они здесь не главные.
А главными в этой картине всегда выступают кик, бас, снэйр и, конечно, вокал. При сведении музыки их всегда размещают четко по центру. При этом к ним стараются не применять никаких плагинов, расширяющих стерео, чтобы не потерялся фокус. Все широкие синтезаторы кажутся нам фоном. И расширение – это еще один способ работы с пространством. Если ширины не хватает, можно поставить звук слева, бросить на него короткий дилей (желательно, сатурированный) и разместить этот дилей справа. Это один из возможных приемов увеличения объема.
4. Обогащение и украшение
Не всегда сведение музыки требует подобной работы. Бывает, что аранжировщик сделал тембры достаточно жирными, яркими и красивыми. Иногда звукорежиссер получает даже отдельные дорожки с дилеями и реверберацией. Если они звучат достойно, то незачем их переписывать. Но часто звуки требуют дополнительной обработки уже на этапе сведения музыки.
Самый очевидный способ обогащения тембра – сатурация. Нужно просто открыть специальный плагин и добавить немного гармоник. Вносить гармонические искажения могут также эквалайзеры и компрессоры, имитирующие работу аналоговых приборов. К таковым относятся эмуляции PulTec, Teletronix, Fairchild, 1176. Эмуляции ленточных магнитофонов и консолей тоже делают звучание более насыщенным.
Сведение музыки редко обходится без параллельной обработки. Компрессоры, которые дают особенные краски, ставят на отдельные дорожки. Далее на них делают посылы с основной дорожки. Этот размноженный сигнал сильно компрессируют и аккуратно подмешивают к основному. Получается плотный звук с дополнительными обертонами. Разные компрессоры дают разные краски, их можно подмешивать на свой вкус. Так же иногда поступают и с эквалайзерами.
Работу с ревербераторами и дилеями многие считают самым творческим этапом сведения музыки. Действительно, с этими эффектами микс сразу начинает звучать красиво и богато. Но важно не переборщить: реверберация должна быть еле слышна, а отзвуки дилея не должны вылезать на передний план. Проявить полную креативность здесь позволяет автоматизация. К примеру, можно включать дилей в определенных местах, менять его пульсацию или окрас. На каких-то моментах можно удлинять хвост реверберации или повышать ее уровень.
5. Работа с мастер-секцией и группами
Это завершающая стадия сведения музыки. Но некоторые приемы могут использоваться и по ходу дела. Групповая обработка помогает склеить компоненты микса в единое целое. К примеру, если объединить в группу кик, снэйр, хэт и повесить на общую дорожку красящий компрессор типа Slate FG-MU, то он их соберет вместе. Барабаны зазвучат как один инструмент: с общим грувом, с общим окрасом, с общим уровнем.
Иногда сведение музыки требует отдельной обработки инструментальной группы и отдельной обработки вокальной группы. Это, наоборот, помогает немного вывести вокал из микса. Также можно применить сайдчейн-компрессию, чтобы во время звучания вокала вся остальная музыка немного поджималась и голос выходил вперед.
Компрессоры и лимитеры сглаживают микродинамику. А вот макродинамику иногда нужно, наоборот, раскачать. И это делается уже вручную. Работа с макродинамикой может осуществляться во время сведения музыки, а может остаться мастеринг-инженеру. Те места, которые должны взрываться (например, припевы), мы делаем на 1 децибел громче с помощью автоматизации. Там, где эмоции по логике песни должны притухать, мы снижаем громкость. А на припеве снова поднимаем.
Также припевы и куплеты можно по-разному обработать, чтобы они различались. Это тоже поможет развитию музыкального произведения, сделает его более интересным и динамичным.
Разбираем процесс сведения музыки по шагам
Для обучения этому искусству создаются целые курсы и школы. И недели не хватит, чтобы научиться сводить. А одной статьи тем более. Поэтому кратко пройдемся только по основе песни. Перед началом работы убедитесь, что треки должным образом отредактированы и почищены. Компрессия вытащит все тихие щелчки и шумы, сделает их громкими. Само собой, нужно выровнять ритм и провести питч-коррекцию вокала.
1. Подготовка рабочего пространства. Чтобы было удобнее ориентироваться в проекте, раскрасьте дорожки разными цветами, поставьте иконки, если это позволяет секвенсор. К примеру, в Amped Studio треки раскрашиваются автоматически.
2. Маршрутизация. Объедините инструменты в группы, чтобы с ними было удобнее работать и делать впоследствии сведение музыки по группам. В одну группу снэйр, кик и хэт. В другую – синтезаторы. В третью – вокальные партии. В четвертую – перкуссию. В пятую – гитары. Логика проста. Затем создадим отдельную группу для инструментов и отдельную для всех вокалов. И эти две дорожки отправим в общую дорожку микса. Также нам понадобится создать дорожки для разных планов реверберации.
3. Предварительная общая обработка. Можно сразу поставить на мастер-дорожку лимитер и поджать все на 1-2 децибела. Хотя многие звукорежиссеры против сведения музыки под лимитер. Также можно сразу поставить ленточный магнитофон: например, Slate VTM или Waves Kramer Tape. Если мы добиваемся жирного звука, магнитофон сразу даст правильный окрас. Но нужно покрутить ручки и послушать, в какой конфигурации он лучше звучит.
4. Предварительные балансы. Сразу расставляем все фейдеры так, чтобы микс звучал более-менее сбалансированно. Оставляем запас в несколько децибелов. По ходу сведения музыка будет становиться все громче. Выбираем основу (вокал, барабаны, главный гармонический инструмент), остальное глушим (mute), чтобы не мешалось. Делаем для основы более точный баланс.
5. Кик. Мьютируем все, кроме барабанов и баса. На кике сразу добавляем 30 или 60 Гц, желательно эмуляцией железного прибора. Классическим вариантом здесь будет PulTec. Найдем у кика щелчок в районе 1-5 кГц, отрегулируем на свой вкус. У низкой бочки 100 Гц можно вырезать, а на басу, наоборот, добавить. Поставим компрессор с регулируемой атакой и увеличим атаку, чтобы бочка стала мощнее.
6. Снэйр. Те же частоты пробуем на снэйре. Если не хватает мощности, пробуем поднять 100, 250 или 600 Гц. Если не хватает яркости, пробуем разные частоты в районе верхней середины (1-7 кГц). Так же ставим компрессор с большой атакой. Если атаки не хватает, можно попробовать применить какой-нибудь транзиент-дизайнер.
7. Хэт. При сведении музыки в электронном стиле тарелки обычно не трогают, потому что для них сразу подбирают хорошие семплы. Но можно срезать низ от 300 Гц, убавить верх, если он слишком шипит. Если выставить на компрессоре маленькую атаку, можно добиться колючих, резких ударов, которые иногда создают хороший грув.
8. Группа барабанов. Ее обычно просто компрессируют, выставляя большую атаку и маленький релиз. Если при этом кик и снэйр сильно глушатся, компрессор лучше подмешать параллельно.
9. Бас. На бас обычно ставят эмуляцию Teletronix LA-2A. Она сразу делает правильные атаки. При сведении музыки с синтетическим басом компрессор нужен только для небольшой перегрузки и создания гармоник. Если у кика мы подняли 30 Гц, то у баса немного поднимем 60. Здесь нужно смотреть, где больше низа: у кика или у баса.
10. Синтезаторы. Если их несколько, настраиваем между ними баланс, а затем ставим в уровень с барабанами и басом. При сведении музыки основная работа с синтезаторами упирается в их насыщение и расширение. Для этого годится параллельная компрессия, m/s-эквализация, дисторшен, сатурация. Что касается частотной коррекции, то можно попробовать прибавить 250, 600, 1500 Гц. Но нужно обязательно сверяться с вокалом.
11. Вокал. Самый главный и самый ответственный пункт. Компрессия сразу делает вокал красивым. Но можно поставить несколько компрессоров, настроить их на слух и, переключая, найти наиболее подходящий. На любой вокал при сведении музыки ставят фильтр, срезающий низ до 60-90 Гц. Он уберет возможный топот и гудение. Вокальные частоты мы уже рассматривали: полнота на 250 Гц, присутствие на 1,5 кГц, «с» на 7-8 кГц.
12. Реверберация. Обычно для украшения берут ритмичный дилей (на четверть, триоль или четверть с точкой) и несколько ревербераторов с разными алгоритмами и разными длинами: long plate, short plate, chamber, room. Создаем для них дорожки, отправляем вокал посылами и слушаем, какой лучше подходит, понемногу подмешивая. Затем то же самое делаем со снэйром и синтезаторами.
Если к концу сведения музыки вы не получили желаемой плотности, реверберация поможет все немного связать. Также она заполирует огрехи вокальной партии. Для дилея обычно прописывают автоматизацию, повышая его громкость на паузах, чтобы он ритмично их заполнял. Кик и бас, как правило, не обрабатывают ничем. В противном случае появится грязь и гул. Не стоит плодить слишком много планов. Достаточно двух-трех.
13. Мастеринг. Этот процесс не принято считать сведением музыки, так как здесь работа ведется уже над готовым миксом, который представляет собой одну дорожку. Обычно мастерингом песни занимается другой человек, а не тот же, кто ее сводил. Здесь нужны свежие уши и высококлассная аппаратура. Но если нет возможности обратиться к мастеринг-инженеру, можно попробовать самостоятельно обработать мастер-канал.
Для этого понадобится как минимум лимитер и трек-референс. С помощью лимитера вы приближаете громкость к уровню референса. Но этот прибор не просто делает звук громче, он еще и сжимает диапазон песни, то есть работает по принципу компрессора. На этом сведение музыки можно закончить.
Но кроме лимитера существует много комплексных плагинов для работы с мастер-секцией. К ним относятся Drawmer S73 от Softube и популярнейший iZotope Ozone. Они помогают добавить песне воздуха, баса, панча, сделать параллельную компрессию и эквализацию, расширить стерео, сделать m/s-эквализацию и многое другое. Но всегда нужно сверять результаты своего сведения музыки с результатами своего мастеринга. Если он не приносит улучшений, лучше от него отказаться.
Заключение
Мы разобрались в основах звукорежиссуры, обзорно прошлись по процессу сведения, наметили точки, на которые нужно опираться при работе. Искусство сведения музыки нельзя освоить за один день. Нужны годы тренировок и обучения. Но черновой микс вы теперь легко сможете сделать.
Если вам нужна информация о плагинах, ее можно найти в другой статье. Здесь мы намеренно не разбирали конкретные эквалайзеры и компрессоры, чтобы было понятно: хороший звук создается не приборами, а умением и слухом. Свести песню можно даже не устанавливая никакого ПО на компьютер – достаточно выхода в интернет. С онлайн-секвенсором можно начать сводить прямо сейчас.
Не стоит ждать возможности купить дорогое оборудование и плагины. Потому что хорошие миксы получаются в основном благодаря стараниям и увлеченности. Если вас заинтересовало сведение музыки, вы найдете тонны обучающих видео в интернете, начнете заниматься и через пару недель будете чувствовать себя в этом процессе как рыба в воде.
что такое сведение?
Сведе́ние — процесс создания из отдельных записанных треков конечной записи, следующий после аранжировки этап создания звукозаписи.
Сведение — не чисто технический процесс соединения различных треков в единое целое, это скорее творческая деятельность, от которой зависят особенности звучания результата. Процесс сведения музыки довольно трудоёмок, ведь необходимо учитывать следующие аспекты:
баланс громкости различных треков;
панорама — расположение и смешивание между собой каждого записанного инструмента, создание соответствующей акустической среды;
динамика — создание композиции музыкальной звукозаписи, форма подачи; выдерживаются вступление, развитие, кульминация и спад;
прозрачность — сведение треков, чтобы каждый инструмент записи был различим и читался, не заглушая другие инструменты;
плотность — отвечает за насыщенность звука;
разнообразные звуковые эффекты
Сведение и мастеринг
Прямо сейчас прокачиваем навыки сведения.
За месяц научим делать классный звук независимо от жанра.
Узнай подробности и присоединяйся!
Чем отличается сведение от мастеринга
В электронной музыке результатом творческой деятельности становится набор дорожек в какой-либо DAW. Это мультитрек, который может содержать в себе неограниченное количество различных инструментальных и перкуссионных партий, несколько бас-линий, SFX, атмосфер, вокальных вставок и прочего-прочего. В треках опытных музыкантов число дорожек может достигать 100 и более, при этом каждая из них будет звучать хорошо.
Когда идея трека кажется начинающему музыканту хорошей, но не было сделано хотя бы минимальное сведение и мастеринг , звучание может разочаровать слушателя. Это будет плохой микс, в котором проваливаются инструменты, бочка не обладает достаточной энергией чтобы создавать мощный ритм, нет никакого разделения на планы, звук находится на одной линии или вовсе прилипает к колонкам, и в целом трек не передает того настроения, который в него пытался заложить автор.
Это классическая проблема, возникающая у всех новичков. После написания первых треков и разочарования в их звучании, многие начинают сравнивать свою музыку с работами профессионалов, который уже достигли высокого уровня. Сразу становится понятно, что для достижения такой читаемости и глубины миксов, такого же мощного ритма и всего остального, что так цепляет в коммерческой музыке, нужно обладать особым мастерством и знать что-то такое, чего не знают другие. Это не так. Сегодня мастеринг и сведение треков можно выполнять самостоятельно в домашних условиях – при достаточно ответственном подходе можно легко приблизиться к уровню звучания коммерческих треков. Если же просто выполнить минимальный аудио-инженеринг, сам факт его выполнения заметно повысит качество звучания и выделит трек на фоне других работ любительского уровня.
В этой статье мы расскажем, чем отличается сведение от мастеринга и почему без них нельзя обойтись, когда задача – сделать так, чтобы простой набор звуков превратился в единую картину, стал представлять из себя плотный и разборчивый микс.
Сведение
Это первый этап технической доводки трека, идущий сразу после написания аранжировки и размещения семплов на тайм-лайне проекта. В поверхностном смысле задача этого этапа состоит в том, чтобы все инструменты трека просто были хорошо слышны и не маскировались друг за другом. В некоторых стилях музыки этого достаточно, но уровень такого сведения все-равно не будет впечатляющим. Профессиональное сведение и мастеринг предполагает еще и работу с динамикой инструментов, их спектром и временными параметрами, а также объемом всего микса.
Приоритетная задача сведения – размещение инструментов в объеме и панорамирование. Музыка давно стала стереофонической, но даже сейчас не все музыканты используют тот огромный потенциал, который дает привычная нам стереобаза. Правильно выстроенный объем должен создавать иллюзию того, что звук находится в воздухе перед слушателем, а инструменты образуют так называемую сцену: занимают четко определенное место и никуда не «плывут» и не «смазываются». На изображении выше проиллюстрирован классический объем для электронной и рок-музыки. Особенность же «электронных сцен» заключается в том, что при работе в DAW параметры объёма легко модулировать: делать так, чтобы на протяжении звучания трека он менялся, а вместе с ним перемещались и сами инструменты. Это мощный художественный прием, который уместно применять именно в электронных стилях.
Объем строится через применение ревербераторов с определенными пресетами. Они отдаляют звук на задний план, ставят его выше или ниже и позволяют строить несуществующие в реальной жизни объемы: космос, невероятно высокие и при этом узкие помещения и прочее.
Существуют и более простые и наглядные ревербераторы. Так называемые IR (impulse response) или импульсные, выстраивающие объем на основе импульсного отклика, который был снял в реальном помещении.
Такие решения уместны, когда на ручной подбор параметров нет времени или желания, а получить хоть какую-нибудь сцену микса хочется побыстрее. Для электронной музыки импульсные ревербераторы применяются достаточно редко, так как не позволяют изменять заложенные в программу параметры объемов.
Помимо размещения в объеме, в задачи сведения входит работа с динамикой и спектром инструментов. Например, решение вечной проблемы бочки и баса через сайдчейн и эквализацию, подчеркивание определенных частотных областей в лидирующий партиях, выделение характерных призвуков в различных инструментах и прочее. В конечном итоге сведение – это создание единой звуковой картины из разрозненных инструментов, которые изначально звучат плоско и конфликтуют друг с другом в плане частот и динамики. Получившийся микс должен соответствовать задумке автора по объему, сцене и читаемости партий.
Мастеринг
Мастеринг музыки – второй и заключительный этап технической доводки. В некотором смысле, это просто подгонка звучания под общепринятые мировые стандарты, которые касаются определенного стиля музыки. К примеру, многие лейблы не доверяют мастеринг трека своим музыкантам, а выполняют его сами – чтобы вся размещаемая в рамках лейбла или радиостанции музыка имела один характер звучания и ни один трек не выбивался из общего стиля. Вторая задача, которую выполняет мастеринг , это обеспечение хорошего звучания на любой акустической системе, наушниках и даже радиоприемнике.
Важнейшая задача мастеринга – работа над максимальной громкостью по разным метрическим системам: RMS, LUFS, True Peak другие. Соответствие этим стандартам строго обязательно, если трек претендует на широкую ротацию. К примеру, вся музыка и иной звук, который можно услышать по телевизору или радио, лимитируется на уровне -23 LUFS или -1 True Peak – такие значение были установлены для того, чтобы пресекать так называемую «войну громкостей» или «loudness war», которая часто приводит к клиппингу у слушателя и высокой нагрузке на вещательное оборудование радиостанций и стриминговых сервисов в Интернете.
Помимо технических проблем при вещании, которые может вызвать полюбившаяся многим новичкам компрессия «под ноль», война громкостей вредит музыке в целом. Когда слушатель включает подборку треков в определенном стиле, ему не хочется, чтобы внезапно в середине прослушивания заиграл заметно более громкий трек, чем были до этого. Это как минимум шокирует слушателя и отобьет желание слушать музыку в этом стиле, а как максимум сожжет ему акустическую систему, усилители, и травмирует слух.
Второе – проверка моносовместимости и работа со спектром. Как было сказано ранее, хорошее сведение и мастеринг музыки должно быть таким, чтобы получивший материал можно было слушать на любом звуковоспроизводящем оборудовании. Это может быть дорогостоящая Hi-Fi система в домашнем кинотеатре, наушники от смартфона или обычное радио в автомобиле.
Хороший аудио-инженер сделает так, чтобы материал сносно звучал везде. Это во многом определяем успех трека – не все слушатели имеют хорошую акустику, но всем хочется услышать из нее качественный звук. Музыкант, который удовлетворит это простое желание, обязательно получит еще одного почитателя в свою фан-базу.
Мастеринг звука может выполнять и художественные задачи. Часто с помощью STEM-мастеринга происходит финальная доводка трека, которая работает не на технические параметры звучания, а на художественные: плотность низких частот, ширина и прозрачность стерео на середине и верхах, резкость динамических переходов и прочее.
Можно ли делать самому?
Пост-продакшн давно перестал быть прерогативой профессионалов и обеспеченных музыкантов, которые способны заплатить за студийный мастеринг на Abbey Road. Сегодня подавляющее большинство электронщиков занимаются этим сами и получают очень близкий результат к тому, который выдают дорогие студии. С развитием музыкальной индустрии появились и автоматизированные сервисы по типу LANDR, которые выполняют финальную доработку трека с помощью искусственного интеллекта и результат также нельзя назвать плохим.
В материалах PRO-раздела можно найти подробные курсы по сведению электроники, мастерингу своих треков, и STEM-мастерингу для финальной доводки. Каждый из перечисленных курсов наглядно демонстрирует разницу между треками до обработки и после неё и поэтапно показывает путь к достижению нужного звука.